TRABAJO DE HISTORIA DEL ARTE
Realizado por:
EVELYN JOSSELYN CELA TARAPUES
Docente:
Paredes Lascano Iliana Sabina
INFORME
“ARTE CONTEMPORÁNEO”
FACULTAD DE ARQUITECTURA
TRABAJO DE HISTORIA DEL ARTE
ECUADOR
2015
ARTE HAPPENING
ANALISIS BIBLIOGRAFICO
Happening (de
la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso).
Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en
los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.
Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el
llamado teatro de participación. La propuesta original del happening artístico tiene como
tentativa el producir una obra de arte que no se
focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los
"espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su
actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la
representación colectiva. El happening en cuanto a
manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que
busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se
producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la
cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer
Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.
Marta
Minujin
ANALISIS
CONTEXTUAL
La argentina Marta Minujín nació en
Buenos Aires en 1943 y, desde entonces, ha realizado algunas de las
performances más recordadas del arte local: la ambientación multisensorial La
Menesunda, en 1965; el Obelisco de Pan Dulce en 1979; el Partenón de libros, en
1983. Mucho más acá en el tiempo, en mayo de este año, montó la Torre de Babel
de libros en la Plaza San Martín de Buenos Aires, una estructura de siete pisos
forrada por treinta mil libros escritos en cincuenta y cuatro idiomas
diferentes.
CRITICA Y EVOLUCIÓN
El happening ha pasado a tener un carácter paradójico, si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación, suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado; en efecto, muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Los teóricos sitúan su continuidad en el teatro invisible o en la acción artística
ARTE PERFORMANCE
El performance es
una muestra escénica, muchas veces con un importante factor
de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido
de la estética, juegan un rol principal.
La historia del "performance art" empieza a
principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de
movimientos vanguardistas.
MARINA ABRAMOVIC
Nace en Belgrado, Yugoslavia el 30 de noviembre de 1946,
artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años
70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma
como la "Abuela del arte de la performance".
El trabajo de Abramović explora la relación entre el
artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la
mente. La muerte misma” Marina Abramovic y Ulay (1997)
La artista Serbia Marina Abramovic, en compañía del artista germano Ulay, en 1977 llevan a cabo un performance título Death self o La muerte misma. En este acto unen sus bocas y recíprocamente respiran el aire emitido por el otro. Transcurridos 17 minutos los dos caen inconscientes ya que los pulmones se les habían llenado de dióxido de carbono y el oxígeno se había agotado por completo.
Esta obra tenía el objetivo de demostrar simbólicamente la habilidad del ser humano de absorber la vida del otro, generando transformaciones o destrucciones en quienes nos rodean.
La artista Serbia Marina Abramovic, en compañía del artista germano Ulay, en 1977 llevan a cabo un performance título Death self o La muerte misma. En este acto unen sus bocas y recíprocamente respiran el aire emitido por el otro. Transcurridos 17 minutos los dos caen inconscientes ya que los pulmones se les habían llenado de dióxido de carbono y el oxígeno se había agotado por completo.
Esta obra tenía el objetivo de demostrar simbólicamente la habilidad del ser humano de absorber la vida del otro, generando transformaciones o destrucciones en quienes nos rodean.
DISCURSO DEL AUTOR
La
experiencia que aprendí fue que... si se deja la decisión al público, te pueden
matar... Me sentí realmente violada: me cortaron la ropa, me clavaron espinas
de rosas en el estómago, una persona me apuntó con el arma en la cabeza y otra
se la quitó. Se creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas,
como estaba planeado, me puse de pie y empecé a caminar hacia el público. Todo
el mundo salió corriendo, escapando de una confrontación real.
ANÁLISIS CRÍTICO PERSONAL
Muchos la consideran “la abuela del
performance” De esta conjunción surgió una mujer que aprendió a experimentar
hasta las últimas consecuencias sobre su cuerpo y su mente. Las performances de
Marina se caracterizan por su extremismo y su control del cuerpo a través de la
disciplina y el equilibrio de la mente, llevándola a realizar trabajos en los
que su integridad física peligra.
ARTE INSTALACIÓN
Una instalación
artística es un género de arte contemporáneo que comenzó
a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones
incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en
un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan
directamente el espacio de las galerías de arte.
DANIEL CANOGAR
DISCURSO DEL
AUTOR
El hilo conductor
de Otras geologías a nivel conceptual tiene relación directa con la memoria
colectiva que se tira a la basura, es decir, en todos los materiales o en los
objetos que utilizamos esta nuestra impronta. Ésta huella que dejamos en el
objeto es muy significativa, al desprendernos de ellos tiramos a la basura una
parte de nosotros. Así pues, podemos decir que nuestra identidad queda almacenada
en el material informático, ordenadores, cintas… donde se acumulamos datos,
imágenes, que forman parte de nuestras experiencias y vivencias. De algún modo
toda ésta información acaba almacenada en la basura.
ANÁLISIS
COMPOSITIVO
Las primeras aproximaciones de Canogar a la práctica
pictórica tienen lugar a través de un estilo figurativo, impregnado, pues, de
reminiscencias cubistas, en especial por lo que se refiere a la contención y el
rigor de la estructura compositiva. Sus primeros lienzos son paisajes,
figuras y naturalezas muertas, donde las enseñanzas derivadas del estudio de la
tradición conviven con el deseo de descubrir los logros de la vanguardia
ANÁLISIS
CRÍTICO PERSONAL
El éxito artístico de Daniel Canogar, al que se lo considera como uno de los más firmes valores, que utiliza un equilibrado balance de discurso conceptual y atractiva materialización del mismo, ha trabajado sobre la difícil relación entre cuerpo y tecnología y sus avances en la asociación de escultura, proyección luminosa de imágenes e instalación han tenido un justo eco internacional.
ARTE
BODY ART
El Body Art o arte del cuerpo es una
tendencia artística que surgió de forma casi simultánea en Estados Unidos y
Europa durante los años sesenta. Derivada del arte conceptual y precursora del
performance, esta tendencia considera el cuerpo como un lugar y un medio de
expresión artística, un nuevo material y soporte con el que exteriorizar y
representar experiencias, sentimientos, preocupaciones y reivindicaciones.
Craig
Tracy
Nacido y criado en Nueva Orleans, EE.UU, donde sigue
viviendo actualmente. Se graduó con honores en el Instituto de Arte de Fort
Lauderdale, y a los veinte años Craig era un ilustrador freelance profesional.
Durante este tiempo fue sobre todo ilustrador para agencias de publicidad y
casas editoriales, sin embargo ese tipo de trabajo no era el que él quería
seguir haciendo. Por ello unos años después dejó la ilustración para
aventurarse en el mundo de los murales, diseños para camisetas y casi cualquier
tipo de superficie, algo en lo que ya tenía experiencia previa. Este cambio le
supuso la libertad que necesitaba para realizar lo que realmente quería.
Comenzó pintando en diversas superficies, hasta comenzar a pintar sobre caras y
cuerpos enteros, algo con lo que se sintió muy cómodo, por lo que estuvo
investigando y perfeccionando sus técnicas hasta llegar a realizar estas
impresionantes obras en las que en las que se fusionan el body painting y la
ilusión óptica.
Craig se dedica
principalmente a hacer ilustraciones y pintura, y en esta ocasión nos muestra
este trabajo de pintura en donde utiliza como lienzo el propio cuerpo humano.
DISCURSO DEL AUTOR
Es mi intención continuar, explorar y
ampliar las percepciones y límites de esta forma de
arte antigua, seductora y contemporánea”.
ANÁLISIS CRÍTICO
PERSONAL
Una gran cantidad de artistas encontraron en el cuerpo
infinitas posibilidades de expresión, utilizándolo para fines diversos y
temáticas variadas. Adentrándonos en el mundo del Body Art y el performance
vemos cómo, sin duda, el cuerpo y su movimiento son sinónimos de expresión, es
el medio de comunicación primitivo y universal por excelencia
LUIGI STORNAIOLO
ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO
Nació un 9 de julio, en Quito. Es hijo
de Bruno Stornaiolo, de origen napolitano, y de Ángela Pimentel, guayaquileña
es el segundo de una familia de 4 hermanos. Luigi Stornaiolo es, sin duda, el
artista plástico contemporáneo más importante de Ecuador, su obra está marcada
por la crítica. El crítico Fernando Ureña Rib ha dicho de Luigi: “(En él)
impresiona el desenfado, la plena libertad expresiva reflejada aún dentro de
una evidente y honda angustia existencial. Angustia que implica una crítica, un
juicio social no exento de drama. La técnica encierra un fluir casi melódico”. Uno
de los nombres imprescindibles de la plástica ecuatoriana contemporánea es
también un hombre intenso, delirante y de palabra y pensamiento fecundos. Nada
más ingresar al estudio de Luigi Stornaiolo, y las dimensiones se alteran; las
cosas cambian entre la oscurana y las luces hasta borronearse como las figuras
de sus óleos y sus acrílicos. Pareciera que tras franquear los umbrales de
aquel aromado espacio de dos ambientes, los claroscuros jugaran y precipitaran
su enjuta sombra contra los muros, donde por fin la afincan. Se ha esmerado
entre caballetes y bastidores en los últimos 3 años. El óleo demora en secarse
días y hasta semanas; el acrílico, en cambio, lo hace en 15 minutos. Respira
profundamente y toma el libro que sobre su obra imprimió la Latinweb Publishing
Editorial en 2005. Ahí aparece una panorámica suya desde que empezó con el
dibujo figurativo y el retrato. Trabajó el óleo durante 20 años y lleva 10 con
el acrílico. Va pasando las hojas de papel couché y aparecen serigrafías,
grabados, aguafuertes. Son asombrosas las brechas entre las épocas que ha
atravesado: desde que sus detalles eran sinónimo de la minucia hasta ahora, en
que sus trazados son casi insolentes pinceladas de color. Como paciente poeta,
titula uno a uno sus cuadros. Y aparecen, en variadas posiciones, seres
erotizados que se regodean en su lascivia y con fuertes tonalidades y
desvergonzados rostros y cuerpos, construyen una sátira social.
ANÁLISIS CONTEXTUAL
CIUDAD DEL REVÉS
La
ciudad del revés es una obra del otro lado de Quito- Ecuador en donde se puede
ver la fascinación de unos, objeto de repudio de otros. La ciudad, desde sus
primeros pasos como organización espacial de lo social, ha creado sus propios
personajes, su propia mitología y contra-historia. Quito también tiene la
contracara a su rostro tradicional y costumbrista. Esta imagen no esperada en
el espejo de la identidad tiene su asidero en las letras, la pintura, las
tablas y el cine. Si se trata de una ciudad que rechaza el encargo religioso de
ser el fiel rostro de Dios, no es difícil recordar al poeta riobambeño Ramiro
Oviedo. Aunque viva y trabaje en Francia, Quito ha sido uno de los depositarios
de su poética. En ‘Maleta de mano’ dibuja una ciudad esquizofrénica, poco
acogedora si se cree ciegamente en lo que se ofrece de ella, pero que sorprende
en noches azarosas si se quiebran los itinerarios. En esa orilla también está
el narrador Huilo Ruales Hualca, quien ofrece, en varios de sus relatos breves,
recorridos desaforados por el bulevar de la avenida 24 de Mayo, construyendo
una ciudad con límites geográficos bien definidos pero con un ánimo
impredecible en cuanto a la maldad urbana. La marginalidad que explora este
escritor ibarreño no es una que denuncia la desigualdad social, sino una que
escarba en los afectos de las personas de sus cuentos. Su tono despoja los
prejuicios y el lugar común y los transforma a una simpatía que no termina de
ser reflexiva. En lo visual, se puede contar con el maestro de la plástica
Luiggi Stornaiolo y el cineasta guarandeño Víctor Arregui, por su mirada a un
Quito distinto. El polo de Stornaiolo resalta con sus colores una ciudad
maldita, que se distorsiona y pierde. Mientras que Arregui, en su película
‘Cuando me toque a mí’ perfila una ciudad gris, que necesita desenmarcarse e
inyectarse vida. En el fondo, todas las obras dicen mucho de la relación de
atracción y repulsión que vive cualquiera de sus habitantes, de otro modo Quito
no se explicaría.
ANÁLISIS
COMPOSITIVO
Luigi
Stornaiolo es, sin duda, el artista plástico contemporáneo más importante de
Ecuador, su obra está marcada por la crítica. Aplica técnicas tridimensionales
manteniendo lo lúdico en sus obras, se compenetra a tras vez de la obra, Los
cuadros de Stornaiolo se caracterizan por desmontar figuras icónicas y hacer
una crítica de la sociedad actual a través de la sátira. El pintor ecuatoriano explota en sus lienzos
el contraste cromático y utiliza, además, la estética de lo grotesco, sin
convencionalidades. La obra de Stornaiolo ha sido catalogada como un
neorrealismo social, sus cuadros transmiten una fuerza inimaginable, la mayoría
en formatos grandes. En diferentes tiempos y espacios pero así como Pablo
Palacio con sus letras, Stornaiolo con sus cuadros testimonia la perspectiva
urbana, la relación con la ciudad de Quito. En esta pintura se relaciona mucho
a la otra cara de Quito que es de noche y le otro es de día De técnica
brillante, cuya inspiración proviene del Renacimiento y del Barroco, a Stornaiolo
se lo ha comparado en innumerables ocasiones con el Bosco, con Goya, o con
Francis Bacon, pero también con la fuerza moralizante, corrosiva y crítica del
primer expresionismo alemán de ‘Die Brücke’. Lo que ocupa el resto del cuadro
es la mancha, un estilo de pinceladas gruesas y una gran autonomía del color.
Si el arte ambiciona ser la ‘patentización’ de la verdad (Heidegger) o como
decía Picasso “es una bella mentira que nos hace ver la verdad”, en Stornaiolo
se hace visible la verdad más oscura del ser humano, lo que no queremos ver, el
tabú o la sombra jungiana que negamos pero está omnipresente y se refleja en la
alteridad que juzgamos.
DISCURSO
DEL ARTISTA
Luigi
ve a la sociedad con una agudeza psicológica y eso precisamente es lo que atrae
de su obra, el drama psicológico de estos seres humanos, los seres de Luigi, en
este mundo desgarrado pero real. Él devela la cortina falsa de esta sociedad de
apariencias, desnuda a estos seres y ve su verdadero yo”. Los cuadros de
Stornaiolo se caracterizan por desmontar figuras icónicas y hacer una crítica
de la sociedad actual a través de la sátira.
El pintor ecuatoriano explota en sus lienzos el contraste cromático y
utiliza, además, la estética de lo grotesco, sin convencionalidades. La obra de
Stornaiolo ha sido catalogada como un neorrealismo social, sus cuadros
transmiten una fuerza inimaginable, la mayoría en formatos grandes. En
diferentes tiempos y espacios pero así como Pablo Palacio con sus letras,
Stornaiolo con sus cuadros testimonia la perspectiva urbana, la relación con la
ciudad de Quito. Decimos que Stornaiolo trabaja en un límite entre lo
imaginario y lo simbólico: asume su rol de provocador (nivel simbólico) a
través de contenidos propuestos, pero sin prever los efectos de su provocación
(nivel imaginario), como buscando imágenes misteriosas, áulicas, indecibles. En
este proceso, la mirada se transforma en una visión descarnada. Al pintar,
Stornaiolo crea marcas que constituyen una escritura: pintar puede ser una
forma de escribir, de hacer huellas. Escritura no quiere decir aquí una simple
herramienta de registro de significantes en un soporte permanente, sino que
refiere a una forma de distanciamiento y de diferimiento de un sujeto con
respecto a una impronta o marca que él mismo realiza y de las vías de sentido
que la marca abre con respecto a una subjetividad. Por más lúdicos que sean los
títulos, ninguno de ellos es improvisado, ni siquiera aquellas obras que no
tienen título podríamos pensarlas como fuera todavía de este control y a la
espera de uno.
ANÁLISIS
CRÍTICO PERSONAL
Es
una pintura en donde sobresalta primero el color, que es lo que me llama mucho
la atención en como combina y hace relucirlos de una forma adecuada al
visualizarlo sin tener problema de que uno sea más que otro o peor aún que
tenga descoordinación de los colores. También lo que sobresalta es el relato de
esta pintura que es de Quito en donde el pintor creo sus propios personajes en
una escena que se vive a diario. .En el fondo, todas las obras dicen mucho de
la relación de atracción y repulsión que vive cualquiera de sus habitantes, de
otro modo Quito no se explicaría. Luigui devela la cortina falsa de esta
sociedad de apariencias, desnuda a estos seres y ve su verdadero yo. Por lo
general en esta obra se puede observar claramente la gente que abunda a su
alrededor por las calles, balcones, también se resalta la congestión vehicular,
pocos que usan de medio transporte la bicicleta u otros que mejor manera
caminar por las veredas. Es decir una rutina que se vive a diario que es una
problemática social viéndolo desde ese punto.
Frente
al insostenible imperativo de pintar algo nuevo, la madurez pictórica de
Stornaiolo permite la repetición de personajes gavillezcos y escenas en fuga
Pájaros
gigantescos, florestas idílicas, aguas de ríos privatizados o piscinas de
sangre se tragaron todos los intentos de construir sentido. Hemos visto
circular la idea de que el Ecuador es un paisaje natural, es decir una imagen
configurada en la ausencia de referentes simbólicos, una cordillera pelada
sobre la que un hombre refunda una patria. La pintura de Luigi nos recuerda de
golpe que esa falta de referentes, esa ausencia de rostros y de miradas, tiene
implicaciones macabras. Repetir el paisaje no tiene sentido si ese paisaje no
repite –deja ver– la subjetividad de un discurso. Repetir es la operación predilecta de la
búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta años como la de
Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos de la Mariscal
y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos dos variaciones
significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos siguen siendo la
preocupación central de la obra pero no son ya representantes anodinos de lo
urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son poderes
terratenientes. Éstos grupos han naturalizado –léase esencializado- su relación
con el territorio, son la muerte misma. Acuden a morir en un spa o se fugan en
una balsa abarrotada, en un océano intemporal
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Se
ha esmerado entre caballetes y bastidores en los últimos 3 meses. El óleo
demora en secarse días y hasta semanas; el acrílico, en cambio, lo hace en 15
minutos. Respira profundamente y toma el libro que sobre su obra imprimió la
Latinweb Publishing Editorial en 2005. Ahí aparece una panorámica suya desde
que empezó con el dibujo figurativo y el retrato. Trabajó el óleo durante 20
años y lleva 10 con el acrílico. Va pasando las hojas de papel couché y
aparecen serigrafías, grabados, aguafuertes. Son asombrosas las brechas entre
las épocas que ha atravesado: desde que sus detalles eran sinónimo de la
minucia hasta ahora, en que sus trazados son casi insolentes pinceladas de
color. Como paciente poeta, titula uno a uno sus cuadros. Y aparecen, en
variadas posiciones, seres erotizados que se regodean en su lascivia y con
fuertes tonalidades y desvergonzados rostros y cuerpos, construyen una sátira
social. Ha dado color una de las construcciones que formo parte de la
reconstrucción del centro histórico. Fue escogida a uno de los murales de esta
plaza, Marcela Slade´s fue la encargada de dar vida a ese mural. Reproduce
primero la obra luego el montaje, dividirlo los colores, la pasada de dibujo a
la pared es lo más demoroso, Luigi tuvo 4 etapas de su vida lápiz ole y luego
acrílico, este espacio se convirtió en un lugar artístico para los capitalinos.
Parecería que su pintura es capaz muchas veces de mostrar aquello que no es
presentable normalmente a la vista porque pertenece a otro ritmo, a otro
lenguaje que el visual. Como si hubiese una cierta manera de fluir de las
formas, el gesto y el color que evocaran un movimiento, no solo al mirar
determinados cuadros sino al hacer un recorrido a través de su pintura.
DISCURSO
El
arte intenta dar respuestas, representa al Yo del artista tanto como al No-Yo,
es decir, al Universo que lo rodea, y es precisamente la obra de arte la
poseedora de una fuerza catártica y el nexo que comunica al artista con el
otro: el espectador. Pero a través de la disonancia, Luigi Stornaiolo nos da
una cachetada incitándonos a una reacción que desencadene lo destructivo-
transformador. Sigmund Freud pensaba que el arte rinde tributo a las fuerzas
más recónditas y socialmente consideradas salvajes, carnales y violentas que gobiernan
lo humano. A través de la obra brillante de este gran artista ecuatoriano
podemos comunicarnos con lo abyecto que hay en nosotros mismos y transmutar en
este juego alquímico hacia el aspecto divino de lo inmanente. Desde el punto de
vista de la política de la representación, los últimos elementos abordados, el
cuerpo, la sexualidad y la muerte, constituyen construcciones culturales sobre
las cuales Stornaiolo opera variaciones significativas: inventa una escena de
la sexualidad quiteña, afronta el desafío de pintar (y no fotografiar, filmar o
ensamblar) las practicas locales que transforma en universales. Además, la
ciudad caótica y orgiástica concebida por Stornaiolo representa una forma de
mirar lo urbano que muestra otra cara de aquella higienista que maneja
cuidadosamente cierta política institucional. Se trata en este sentido de una
propuesta que en su fluir arrasa con todo intento de fijación, haciendo visible
no los diferentes rostros de la diversidad, sino justamente su carácter
cambiante, su liminalidad, su estado de fuga permanente. La mirada que
Stornaiolo construye es un problema de deseo, no simplemente porque todo
problema de la imagen es un problema de la mirada y toda mirada se abre a un
sujeto del deseo, sino porque esta condición está acentuada y presentada en su
pintura como una forma predilecta de citar y de invitar a mirar.
ANÁLISIS CRÍTICO
PERSONAL
En
esta obra me llama mucho la atención en como en un espacio hay muchas personas
que se las puede ver que están una desnudas otras semi- desnudos y otras u otros puestos la ropa pero en si me
da como el impresionismo de cada quien tiene enfocar su libertad o amostrase
quien es sin ocultar nada con la mirada en alto mientras que los que están con
ropa se ocultan o se esconden. También se ve la entrada de la luz solar que a
unos le llega y a otros no pero en este caso a los que le llegan como que se
esconden o se agachan para q no los pueda ver.
ANÁLISIS CONTEXTUAL
MURAL DE LOS JUBILADOS
Una
de las obras más representativas del artista quiteño Luigi Stornaiolo ha dado
color a la Plaza de los Capellanes, una de las construcciones que estuvo a
cargo de INMOBILIAR, que formó parte del proyecto de rehabilitación del Centro
Histórico. Y es que gracias al gran desempeño y trayectoria de este destacado
artista, su obra basada en el boceto Determinismo sinóptico, de la pintura “La reflexión de la realidad”,
un óleo sobre tela elaborado en 1986, que retrata a los jubilados que desde
antaño han formado parte importante de este espacio de la capital, ha sido
escogido para dar vida a uno de los murales de esta plaza, ubicada en las
calles Mejía y García Moreno, en el Centro Histórico de Quito. La reconocida
artista Marcela Slade, discípula del arte de Stornaiolo fue la encargada de
plasmar la obra de su maestro. La Plaza de los Capellanes que fue construida
tras el derrocamiento del edificio de la ex Dirección Provincial de Salud, se
ha convertido ahora en un espacio recreacional que pone en evidencia el arte
quiteño, embellece a la “Carita de Dios” y que sirve para el disfrute de los
capitalinos y turistas. En este mural se hizo por varias etapas en donde ha
dado color una de las construcciones que formo parte de la reconstrucción del
centro histórico. Fue escogida a uno de los murales de esta plaza, Marcela
Slade´s fue la encargada de dar vida a ese mural. Reproduce primero la obra
luego el montaje, dividirlo los colores, la pasada de dibujo a la pared es lo
más demoroso, Luigi tuvo 4 etapas de su vida lápiz ole y luego acrílico, este
espacio se convirtió en un lugar artístico para los capitalinos. En fin esta
obra se relacionó con el antiguo y
actual Quito Colonial.
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Sus
obras comienzan hacer feistas a majestuosa, empieza a pintar escenas muy duras
a medio camino real y luego superrealismo, tiene un instinto grandísimo para
poner color todo lo relaciona combinando resaltando o más aún se atrevía a
meter los colores sin perder nada, para
que sea un tema de la decadencia del hombre, tiene un papel de nueva expresión
de la generación y ha creado un estilo personal de lo que sucede en la vida
real. Utiliza trazos grandes y el formato que utilizan es el grafitero o el
arte colectivo en donde exceden su tamaño. Una de las obras de Luigi Stornaiolo
formará parte del espacio público. Retrata a los jubilados. Un nuevo mural será
parte de la Plaza de los Capellanes, ubicada en la Mejía y García Moreno, en el
Centro Histórico de Quito. La artista Marcela Slade, quien tiene una galería en
Cumbayá, fue la encargada de plasmar una de las obras de Luigi Stornaiolo,
basado en el boceto Determinismo sinóptico,
de la pintura La reflexión de la realidad, un óleo sobre tela elaborado
en 1986. Los transeúntes detenían su paso para apreciar el proceso que duró
durante una semana y donde ya fueron retirados los andamios. Stornaiolo destaca la iniciativa de colocar
murales de artistas ecuatorianos en el espacio público, ya que la producción
cultural es amplia y de diversos géneros. Uno de los gestos recurrentes de
Stornaiolo es el de hacer surgir de entre el color –no solo de aquel fondo
colorido que prepara sus lienzos, sino también de los restos de color en las
paletas, en donde los tonos se mezclan en una especie de azar- rostros y
personajes que provienen de situaciones que emergen con una rapidez
alucinatoria o que han sido congeladas en una acción que se encontraban
realizando.
DISCURSO
"Mi
triunfo ha sido la derrota", dice el Luigi alzando la voz y acentuando las
'eses', como si fuera un predicador o un filósofo o un humorista. Entre
todas las frases buenas que suelta cada minuto salpicadas de un discurso muy
complejo de seguir, esa de la derrota queda resonando en el ambiente perfumado
con el olor ácido y picante de varios
cigarrillos fumados la víspera. La enfermedad, en efecto, le robó la motricidad
de su lado derecho. Su mano diestra se volvió un apéndice rígido e
inutilizable. Durante varios años se supo poco del gran pintor. Unos decían que
la habían visto en la madrugada, cojeando y alucinado, otros conjeturaban que
se había ido del país. La noche lo absorbió todo. Pero un día el Luigi volvió a
salir de su caverna. Transformado y enérgico. En ese largo silencio había
aprendido a pintar con la mano izquierda y a sobrellevar el peso del mundo con libros
y con romances eventuales. El Luigi de hoy es más náufrago y más nocturno. Pero
también más sabio, más artista, más él mismo. En la charla, el premio se aleja
de la pomposidad del acto o el sincero agradecimiento; más bien es pretexto
para oír la palabra de Luigi; esa “palabra, enfermedad del pensamiento”, de ese
“pensamiento, enfermedad del alma”. Las reflexiones de Stornaiolo tornan al
pesimismo de Cioran, al desaliento, según dice, ya por la edad (55 apenas), ya
por la esclerosis que le quitó la movilidad de pierna y brazo derecho (ahora
pinta con la izquierda), ya por creer que la esperanza es “la forma normal del
delirio.
ANÁLISIS CRÍTICO
En
esta obra resalta mucho en como un mural de pintura puede llevar a otra época
que era el antiguo quito en donde en esa obra saca a dos viejitos caminando y
ello resalta a una edad antigua del centro historio cosa que cuando la veamos
nos traslademos al quito colonial como era y aparte de ello se le considera que
fue para la reconstrucción del Centro Histórico de Quito. También resalta el
lugar done esta el mural ya que se lo hace ver como una obra artística y al
lugar igual haciéndolo sobresaltar ante todo por la noche.
MARIO FERNANDO GARCÍA
ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO
Nació
en la ciudad de Ibarra. Su padre, Mario Francisco Raúl García Gallegos y su
madre la dama Ibarreña Mercedes Magdalena del Carmen Moreno Almeida. Su padre
oriundo de Riobamba, nació el 9 de febrero de 1.939. Cuando niño se trasladó a
vivir a la ciudad de Ibarra, donde conoció a su esposa quien había nacido en
octubre de 1.942. La influencia familiar y el ambiente artístico literario y
lúdico fueron muy fuertes. Por parte de su madre, hubo una importante vena
artística vinculada tanto a la familia Almeida como a la familia Moreno. Se
recuerda, en especial, a la abuela de nuestro personaje, doña Jael Almeida,
mujer virtuosa en el piano, quien incursionó en este arte, incluso participó en
recitales permanentes en la Radio Municipal La Voz de Imbabura. En esta
familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en algún instrumento
musical. Como influencia importante de su vida, cita a sus tíos maternos, a
Patricio y Fernando Moreno Almeida, debido a su interés por la creatividad
manual y a su perspectiva particular, analítica y filosófica de la sociedad y
de la vida en su conjunto. En el hogar formado por Mario García y Mercedes
Moreno Almeida, nacieron cinco hijos: María Isabel, Alexandra, Helena, Silvana
y Mario García Moreno. De entre ellos, debemos hacer mención a sus hermanas
Helena y Silvana, que han incursionado también, con éxito, en la escultura y
también en la pintura. Helena expone con gran aceptación en las galerías de
Alemania y pasea su arte por Europa. Silvana, está vinculada a la dinámica de
la defensa de la naturaleza y desde ese eje se vincula al arte. De su padre,
don Mario García, hereda el amor a la literatura, la afición por los libros, la
contemplación y el análisis filosófico, el gusto por la ficción y sin duda, la
afición y la sensibilidad por las artes plásticas. De hecho, en la actualidad,
el padre es el presidente de la Fundación Pedro Moncayo, que patrocina las
artes plásticas, la producción literaria y la protección del patrimonio.
ANALISIS CONTEXTUAL
El punto es el siguiente: "Occidente", frente a tanta simpatía subalterna -ya tradicional-, se impone por sobre cualquier discurso artístico e impide la emergencia del "arte o artistas periféricos" a ese símbolo, en especial de origen local, más aun siendo de estratos socio-económicos medios o bajos (esto sucede también en la Política, el gobierno lo sabe). Aquí debemos afrontar el hecho de que el "arte culto" nacional, de un tiempo acá está siendo arrebatado por las clases sociales altas esgrimiendo un discurso altamente ilustrado. Un buen ejemplo de lo dicho es la tendencia a premiar la "trayectoria" del artista, que se adorna barrocamente de evidencias eurocéntricas (estudios en el corazón de Europa, participaciones en numerosísimos eventos internacionales, capacidad retórica y discursos racionalistas encriptados) y engorda currículums y catálogos antológicos con los que los artistas de pueblo solo pueden soñar. Ello implica una gran inversión en la educación del artista, en tiempo dedicado al arte y no a la supervivencia salarial, en viajes, gestiones, amigos, fiestas, tejidos y tejidos propios de la clase social alta. Así pues, el tema del arte parece ser -sobre todo- un asunto de "poder social" y no de "calidad plástica o teórica", como tanto se argumenta hoy en día en un esfuerzo por ocultar la realidad, y parece aún estar atravesado por valores medievales y poscoloniales.
El punto es el siguiente: "Occidente", frente a tanta simpatía subalterna -ya tradicional-, se impone por sobre cualquier discurso artístico e impide la emergencia del "arte o artistas periféricos" a ese símbolo, en especial de origen local, más aun siendo de estratos socio-económicos medios o bajos (esto sucede también en la Política, el gobierno lo sabe). Aquí debemos afrontar el hecho de que el "arte culto" nacional, de un tiempo acá está siendo arrebatado por las clases sociales altas esgrimiendo un discurso altamente ilustrado. Un buen ejemplo de lo dicho es la tendencia a premiar la "trayectoria" del artista, que se adorna barrocamente de evidencias eurocéntricas (estudios en el corazón de Europa, participaciones en numerosísimos eventos internacionales, capacidad retórica y discursos racionalistas encriptados) y engorda currículums y catálogos antológicos con los que los artistas de pueblo solo pueden soñar. Ello implica una gran inversión en la educación del artista, en tiempo dedicado al arte y no a la supervivencia salarial, en viajes, gestiones, amigos, fiestas, tejidos y tejidos propios de la clase social alta. Así pues, el tema del arte parece ser -sobre todo- un asunto de "poder social" y no de "calidad plástica o teórica", como tanto se argumenta hoy en día en un esfuerzo por ocultar la realidad, y parece aún estar atravesado por valores medievales y poscoloniales.
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Por ello, en este segundo acto (obra), en un tono satírico, cada una de las 91 latas mencionadas en el título, dialoga con la obra original de Piero Manzoni y sus fundamentos, y son -evidentemente- la parodia de un esfuerzo local hasta ahora inútil por tratar de acceder al circuito mundial del arte en base a la simple e ingenua "mímesis complaciente" de los "hábitos alimenticios" del llamado "primer mundo", sin considerar los factores determinantes de clase, raza y geografía antes descritos (dejando de lado el mercado). Así pues, como metáfora, los co-autores locales -si es que los hay, caso contrario e de cagarme en todas las 91 latas- de esta obra, habrán ingerido previamente alguno de los correspondientes productos prestigiosos (aceitunas, vino, jamón serrano, camembert, pesto, jd, café valdez, etc.), al tiempo que habrán leído textos teóricos universales, con fondo musical clásico, barroco o alternativo, sentados sobre sillas plegables o su equivalente, frente al mar o paisajes volcánicos, con copa en mano, vistiendo ropa fina o cool, en actitud crítica ilustrada, etc. Para evaluar luego, la "calidad" de su "residuo digestivo" (esto es una metáfora) en relación al proveniente del intestino extranjero, y así establecer objetivamente las características y el valor social a nivel global de la "mierda d´artista quiteño".
Por ello, en este segundo acto (obra), en un tono satírico, cada una de las 91 latas mencionadas en el título, dialoga con la obra original de Piero Manzoni y sus fundamentos, y son -evidentemente- la parodia de un esfuerzo local hasta ahora inútil por tratar de acceder al circuito mundial del arte en base a la simple e ingenua "mímesis complaciente" de los "hábitos alimenticios" del llamado "primer mundo", sin considerar los factores determinantes de clase, raza y geografía antes descritos (dejando de lado el mercado). Así pues, como metáfora, los co-autores locales -si es que los hay, caso contrario e de cagarme en todas las 91 latas- de esta obra, habrán ingerido previamente alguno de los correspondientes productos prestigiosos (aceitunas, vino, jamón serrano, camembert, pesto, jd, café valdez, etc.), al tiempo que habrán leído textos teóricos universales, con fondo musical clásico, barroco o alternativo, sentados sobre sillas plegables o su equivalente, frente al mar o paisajes volcánicos, con copa en mano, vistiendo ropa fina o cool, en actitud crítica ilustrada, etc. Para evaluar luego, la "calidad" de su "residuo digestivo" (esto es una metáfora) en relación al proveniente del intestino extranjero, y así establecer objetivamente las características y el valor social a nivel global de la "mierda d´artista quiteño".
DISCURSO
El
"campo dominante" del arte (Bourdieu) es emulado inútilmente -a
pequeña escala- en la ciudad de Quito (Ecuador), principalmente por parte de
sujetos y círculos sociales pertenecientes a las capas más occidentalizadas o
en proceso de serlo (estudiantes). Casi todos los artistas locales tratan de
establecer empatía con los principios de ese arte, practicando la estrategia de
la "mímesis complaciente" ya desde épocas coloniales y republicanas,
sin resultados considerables, lamentablemente.
Sobre
esa dependencia cultural se ha teorizado ya bastante: Marta Traba (Dos décadas
vulnerables de las artes plásticas latinoamericanas) y Juan Acha (Las culturas
estéticas de América Latina) constituyen un buen ejemplo de lo mencionado.
Oswald de Andrade (1928) nos dijo: "solo me interesa lo que no es
mío" en su manifiesto antropófago, dando cuenta y enfrentando el problema
con responsabilidad social.
Ahora,
sin embargo, su pensamiento crítico al parecer se disolvió en la nada, en el
ámbito artístico nacional, dentro del cual los actores sociales ignoran o
aparentan ignorar los factores que aún inciden sobre la valoración de su producción
artística y sobre su propia significación. Sobre tal significación del artista
local ya he hablado en una de mis obras: "El significante es el
significado" (Diálogo de Imaginarios, I Expo FAUCE, Centro Cultural
Metropolitano, 2011) tratando de comprender y denunciar las reglas del juego
del arte local, a ser diferentes formas de simpatía.
ANÁLISIS CRÍTICO
PERSONAL
En
esta obra me llama mucho la atención en la ingeniedad y expresar lo que pasa
generalmente en las calles que mucho niños trabajan para ganarse algunos
centavos y lo que pasa en si en vez de usarlos para un buen beneficio lo usan
para malgastar y terminar mal en salud que como se muestra en las imágenes el
cemento de contacto, otros lo toman a manera diferentes al pensarlo.
BIBLIOGRAFÍA
BIBLIOGRAFÍA
- http://www.elcomercio.com/tendencias/quito-arte-cultura-literatura-inspiracion.html
- http://www.diccionariobiograficoecuador.com/tomos/tomo10/s7.htm
- https://revistaalgo.wordpress.com/category/pintura/
- http://www.inmobiliar.gob.ec/stornaiolo-plasma-su-arte-en-la-plaza-de-los-capellanes/
- http://www.metroecuador.com.ec/entretenimiento/mural-que-retrata-a-jubilados-en-la-nueva-plaza-de-los-capellanes/AzUoai---50UNO34e5pCM/
- http://www.gescultura.com/contenido_webCRI.php?contenido=107
- http://definicion.de/performance/
- http://www.ecured.cu/index.php/Performance
- http://queaprendemoshoy.com/que-es-una-performance-art/
- http://webs.advance.com.ar/martaminujin/biografia/biografia.htm
- http://es.slideshare.net/jhosep1014/happening-y-performance-1
- https://arteescenicas.wordpress.com/2010/02/01/happening/
- http://www.ecured.cu/index.php/Body_art
- http://es.slideshare.net/willychilombiano/body-art-15650793
- http://artesegundasvanguardias.blogspot.com/p/body-art.html
